> Stephen Rosenberg 2010

"Stephen Rosenberg is a long time New York art dealer, educator, working in primary and secondary market, in fine art appraisals."

Born in Antwerp, Serge Strosberg spent his childhood in Belgium and the United States, and received his formal and extensive art education in Paris at Academie Julian and Ecole des Beaux-Arts. Striving to enhance his knowledge, Strosberg went on to study privately with Joerg Hermle, a highly respected German Expressionist artist and professor, who taught him the ancient and difficult technique of painting with oil and egg tempera.

After several successful exhibitions in France, Belgium and the United States of compelling figurative paintings and portraits of people he found of interest, Strosberg relocated to New York in 2007 for the personal challenges and dreams that have always drawn people – particularly artists - to this city.

Strosberg describes himself as “an expressionist, like the Germans but more humanistic and a compassionate observer of the nightlife…” The New York nightlife that Strosberg has been observing and which informs some of his recent work takes place in underground clubs that don’t come alive until 2AM and are populated by straights and gays of all stripes including socialites, transvestites, exotically clothed amazons and transsexuals. Like many artists before him, particularly those of the London School, Strosberg’s practice also includes inviting people he meets during his forays to sit for him as studio models.

Strosberg’s use of this aspect of the human drama as subject matter for his work, places him in the venerable European tradition of physically and psychologically representing “the other” in paintings, drawings and prints. In this context, “other” means anyone either outside of or at the margins of ‘normal’ society. Rembrandt’s early etchings of tramps, war veterans and orphans come to mind, as do Toulouse-Lautrec’s paintings and lithographs of the performers and denizens of Montmartre’s legendary nightclubs and dance halls during the fin-de-siecle. The paintings of Chaim Soutine (a major influence on Strosberg) during the late 1920’s of uniformed pastry cooks, doormen, hotel and nightclub employees in Paris certainly fall within this genre. Among contemporary artists there is no better example of this approach to expressionistic portraiture than Lucian Freud’s intimate and extraordinary paintings of Leigh Bowery from the early 1990’s. In his introduction, to the volume “Lucian Freud” (Random House, 1996), Bruce Bernard notes that in the 1940’s, “He (Freud) seems to take the view that homosexuality in human beings extends the scope of the collective human imagination, and that a positive understanding of the ‘queer sensibility’ is essential to people involved in art, even when they are not disposed that way in any emotional or erotic sense”.

By substituting “underground sensibility’, a phrase that is culturally appropriate and accurately reflects life in early 21st century New York, for ‘queer sensibility’, we better understand Strosberg’s quest in challenging his talent and intellect by enlarging his field of vision and making art that is more intimate and which has human emotion at its core. The remarkable paintings, portraits and drawings Strosberg creates using models bear witness to the fact that his artistic skills are more than equal to his emotional and psychological depth as a humanistic expressionist.

While many of Strosberg’s models are habitués of New York’s nightlife, the fact is that most of his paintings are of beautiful young women, female amazons - fashion icons fearless in their stiletto heels and stunning dresses. These are neither the obese women of Freud nor are they the bourgeois women or the uniformed female domestic servants of Soutine. Strosberg is able to capture the bravura of these young women while also revealing the unspoken tension between their appearance and their underlying thoughts and feelings.

My preference has always been for artists who continually hone their talent and take risks, who do not become formulaic regardless of commercial success, and who, as Roberta Smith of The New York Times recently pined for, actually make things with their hands. Given his unique combination of talent, enthusiasm, sophistication, and fascination for his new surroundings, my suggestion is that we pay close attention to Serge Strosberg.

> Lauren Kelly Goldstein, jr critic

Five stories above the streets of soho, a neighborhood never short on chic glamour, hangs Serge Strosberg’s “Dorian Gray Syndrome”. The announcement defines the collection as "paintings of New York and Paris socialites", and at first glance most of them seem just that flat. But this is Diane Arbus in reverse: instead of offering a glimpse into the world of the marginalized and scorned, most of Mr. Strosberg’s subjects are society’s most glorified. They appear to inspire envy, but therein lies their freakishness. An extremely thin girl with the tell-tale bulging neck of an anorexic. A posh woman at the bar with a hint of pain in her eyes… infidelity and a failed marriage? A chic redhead completely cool but for her masochistic looking sidekick: is this her lover or an inner demon? It is these characters' subtle pain and obscured freakishness that brings them into dimension. But the obvious struggle to ignore their pain and uphold their perfect position remains. Exiting the chic crowd, it’s hard to miss the point: even the most enviable seemed to have a sad secret.

> Christopher Koulouris, Editor for Scallywag and Vagabond magazine

"Serge Strosberg; the Dorian Gray syndrome."

  What is in an identity? How does one prevail? How does one negotiate their outward appearance and the gnarling contradictory feelings that come along with being. In his role as spectator, sympathizer, provocateur Belgian born painter Serge Strosberg takes on the heady task of juxtaposing darkness, lightness, glee, gluttony, vanity, vulnerability, self adulation, and self dislocation. Perhaps as a pertinent parable to today's times SCV  recently took umbrage with Mr. Strosberg and dared to ask him the questions that he dares to ask us.

SCV; In all your work there is the ever present feeling that the subject is trying to negotiate their outside world and the one inside their head. Why is that a consistent theme of your work?

Serge Strosberg; Because people are complex, they never seem to be so often who they appear to be to us on the outside. I think what often goes on is in order to define who people think they are, they so often take on the role that they think other people expect them to be. So for me a tall, statuesque beauty may present that image, but once I start painting them, I so often find the antithesis.

SCV; Why is that?

Serge Strosberg; I  think on a certain level people are paralyzed by the culture at large. They feel obliged to perform to expectations, to  emulate role models we come across in the movies, the magazines, the tabloids. So what happens a lot of people end up acting, behaving in a way that's organically counter intuitive to their constitution. But because they are told they look like some sort of icon they feel obliged to take on these roles.

SCV; In some of the press you have received in Europe you go for the concept of the socialite. Why is that?

Serge Strosberg; It's very interesting you mention that. I only just moved to New York this past March, and I truly have to say that until I came here I had never heard of the word socialite or rather quite understood it's veracity in affecting human behavior. It was very interesting for me, my first publicist here in NYC would always claim how proud they were to be a socialite, and this intrigued me as so far it alluded to the concept of 'role model.'

  As I have spent more time here in NYC I have come to understand that in so many ways it is vital if one is to survive here that one is obliged to give off a particular brand of posturing. Everyone here is hyper cool, on the go, just about to become a huge hit, parties with the right people, is seen at the right places, is seen holding the right pose.

SCV; Is it true this has affected the way you portray yourself to society?

Serge Strosberg; I would be lying if I said other wise. But I think working through my work serves to act as a kind of catharsis. By revealing my subjects vulnerability I'm also reckoning with my own.

SCV; What inspired you to set up shop here in NYC?

Serge Strosberg; I like to regard myself as a very cosmopolitan person. And I think as much as I adore Paris, where I have been based amongst other European cities, Brussels, London, I think that Europe lacks the stimulation that ultimately I am looking for, the unnerving that I want to reflect in my subjects. Europe for me has become a very pretty museum, where one still lives in past glories and prized artifacts. I think one is free to be who they choose to be here in NYC, or at least more free in other staid cultures. You want to walk around in pajamas, scream at the top of your lungs about your preferred god. That's okay, nobody seems to mind here, if anything it's encouraged.

I also like the density here. I can look out my window here on Broadway and see a whole world passing underneath my fire escape.

SCV; One of your favorite themes is the 'Dorian Gray syndrome.' Please explain.

Serge Strosberg; In Oscar Wilde's novel of the same name, the protagonist is consumed with his apparent beauty, and the way he looks to other people, but as time goes on, the reader begins to realize that the protagonist is anything but beautiful, if anything he has become very ugly, especially to himself. This duplicity of being interests me very much, the double life we so often play for ourselves and the outside world and how over time that tears at one's soul.

SCV; How does this translate in your work?

Serge Strosberg; Initially when I set up my subject to pose I am very much drawn to their physique, their apparent beauty, but as time and sessions go on I find the subject beginning to reveal over time gives way to his insecurities, or his feminine tendencies, despite his very masculine physical tendencies.

 It really amazes me, because you would think people who look like this don't ever get to feel this way, but in a way they probably feel more so than other people. It is this apparent contradiction that very much interests me.

SCV; On what level does this feed on the artist's own self perception?

Serge Strosberg; Very much. I think when people meet me they think I am just this very nice looking boy who is very well behaved, but nothing could be further from the truth.

SCV; Could you be so kind to disclose to our readers how so?

Serge Strosberg; I think one has to play close attention to the work.

SCV; Chic..... Who are some of your influences?

Serge Strosberg; All the great soul searchers. Soutine, Lucien Freud, Balthaus, Rembrandt.  I also like the German expressionist Egon Schiele, the distorted faces, I love them very much, and Rembrandt going for the kill, exposing the psychology of being.

SCV; Would you then regard yourself as an expressionist?

Serge Strosberg; A realistic expressionist. Ultimately I am very much interested in the subject, not the surrounding decor, their soul, not what they necessarily appear to be to us.

SCV; Tell me about your outfit. It looks like a butchers.

Serge Strosberg; It's funny, it's an old shirt worn by surgeons way back. But yes, you are correct, I am a kind of butcher, a surgeon, tearing away, looking for the heart.


SCV; Can one repair the heart?

Serge Strosberg; I am often surprised by the way my subjects react to my painting of them. It's kind of a relief for them, to be exposed in some way, and I think this has a lot to say how people who see my work relate to it as well.

SCV; Can you tell us about some of your upcoming shows.

Serge Strosberg; In December I'm participating in a very important group show, it's a ten year retrospective showing at the 'Felix Nussbaum' built by Daniel Liebeskindt( the architect slated to design the new world trade center) in Berlin, Germany.

They will be presenting the work of Lucien Freud, Mark Rothko, Modigliani. I will be exhibiting a piece called 'Genealogy,' seven self portraits of my family tree, which is five hundred years old, a mixture of Dutch, Portugese, Marrano Jewish heritage.

SCV; How has your heritage affected your work?

Serge Strosberg; Of course as a Jew, our faith forces us to question ones identity. Also as a Jew, I am interested in other minority groups, who might have experienced discrimination; gays, blacks, drag queens, foreigners.

SCV; Where else?

Serge Strosberg; Also in Palm Beach, Florida, in three contemporary art fairs, as well at the 'Ann Norton Sculpture Garden' in Palm beach next March.

SCV; How has the public received your work?

Serge Strosberg; I've been quite humbled. This year I've had three museum shows, and over the last three years I have been able to sell a lot of my work.

SCV; How do you think now that you have just arrived here in NYC your work will be received?

Serge Strosberg; I think i am doing my best work here, and the inspiration is following, so I think it will be a very good transition.

SCV; Finally, what makes you a scallywag?

Serge Strosberg; Because I discreetly push the boundaries, reveal the subject to himself, his society, and by doing that, revealing your secrets I am a scallywag.

> Jean-Louis POITEVIN, Ecrivain et critique d'art.

L'intime genèse des corps
(Notes sur la peinture de Serge Strosberg)

La peinture face à la photographie

Les oeuvres de Serge Strosberg montrent qu'il n'ignore rien du piège que nous tendent aujourd'hui les images photographiques. Au contraire, c'est en toute conscience qu'il fait poser ses modèles pendant des heures. Durant ces longs moments d'un face à face brûlant d'énigmes, il parle avec eux, apprend à les connaître intimement et les conduit à vivre une expérience intérieure parfois violente, toujours intense. à cette tension, le peintre répond par le geste qui est le sien. Il peint et par là, cherche à représenter ce qui, de cette part inconnue de lui-même que lui livre le modèle, est venu affleurer à la surface de son visage, de ses muscles, de ses attitudes, de ses regards. Par la peinture, il va en fait réaliser une synthèse du monde intérieur de celui qui lui fait face.

Serge Strosberg nous dit, avec une exactitude de prophète, que la peinture est une expérience de la durée. Elle oblige le corps à se laisser gagner par une sorte d'extase. Abandonnant le contrôle qu'il exerce sur lui-même, le modèle offre au peintre la possibilité de donner à ce moment d'oubli la forme exacte d'un ensemble d'états vécus. En ce sens, ces gestes, celui de l'offrande de soi du modèle et ceux de la main du peintre, en redoublant leur mystère, opposent à la photographie un démenti catégorique. La photographie, celle que l'on réalise en tentant par exemple de capturer l'autre, de faire son portrait, transforme des moments vécus en états de chose et n'existe qu'en sectionnant le temps. Par contre, une fois devenue surface, elle plonge celui qui la regarde dans le temps circulaire d'un retour éternel. En effet, sur une photographie, c'est toujours un peu soi que l'on cherche. Dans un tableau, c'est toujours un autre que l'on découvre.

La photographie nous prend au piège de la reconnaissance. Notre oeil cherche à identifier celui ou ce qui s'y trouve. Mais l'oeil n'est jamais rassasié. Aussitôt, il aspire à passer à l'image suivante. La peinture, celle de Serge Strosberg en particulier, propose une expérience unique. En effet, une fois écoulées, les secondes qui permettent à l'oeil de reconnaître ce dont il est question sur le tableau, le cerveau se met à fonctionner. La reconnaissance ne nous piège pas dans la redondance, elle s'impose comme un commencement. Après tant de décennies durant lesquelles on a prôné, dans l'art contemporain, la fin du récit et le refus de toute narration, on comprend que ce qui se jouait là, était une sorte de posture mimétique vis-à-vis de la photographie. Cette fuite hors de l'histoire au nom de l'immédiateté du vécu fermait cependant la porte à la dimension réflexive de toute expérience artistique.

émotion et durée

Pour Serge Strosberg, la peinture est le chemin que l'on effectue en soi à travers l'autre jusqu'à embrasser par l'esprit tout ce qui vit et vibre en lui. Celui qui regarde ses toiles doit parcourir le même chemin. Il doit lui aussi partir à la découverte de cet inconnu qui lui fait face. L'expérience de la peinture, pour le peintre, le modèle comme pour le regardeur, est une expérience spirituelle en ce sens qu'elle conduit chacun à plonger dans son intimité pour faire l'expérience d'une dépossession. Au terme de cette plongée, c'est une émotion qui les emplit et les rend à eux-mêmes. La peinture de Serge Strosberg vise à atteindre cette émotion-là. Or l'émotion, ce moment où le moi et le monde fusionnent, est une plongée dans les arcanes du corps, le sien comme celui de l'autre et en ce sens la peinture est une expérience profondément sensuelle.

Elle s'accompagne aussi d'une expérience intellectuelle, en ceci qu'elle inscrit l'oeuvre dans une durée. Cette durée seule permet à l'esprit d'accomplir intégralement le parcours qui conduit des soupirs de la chair aux éclats de la raison, des tremblements du doute qui brille dans les regards émus aux interrogations sans appel sur les profondeurs de l'être. Cette durée fait entrer l'histoire dans l'espace abstrait de la toile. Nul besoin pour cela de décor ou de mise en scène artificielle. C'est à travers le jeu réglé des éléments picturaux, des formes simples, des couleurs profondes mais peu nombreuses, des poses peu spectaculaires mais tremblantes d'ambiguïté et par un traitement souverain de l'espace pictural, que le temps présent de la pose devient sous nos yeux temps vécu de l'histoire. Ce temps, on le voit s'ouvrir dans le tableau comme une fleur énigmatique. Dans ces oeuvres, le vivace aujourd'hui épouse les arcanes du passé et brûle de pouvoir annoncer à l'avenir qu'il peut faire son entrée.

Expression et vérité

Ce n'est pas nous que les personnages de la comédie humaine de Serge Strosberg regardent, c'est ailleurs, au plus profond d'eux-mêmes peut-être, ou nulle part. En s'oubliant ainsi, ils laissent affleurer à la surface de leur visage les échos de leur vérité intérieure, mais aussi dans les torsions de leur corps, dans les anglesétranges qu'ils font avec le fauteuil, la table ou le lit sur lequel ils se tiennent.

En vérité, leur présence indéniable sur la toile se double d'un retrait en eux-mêmes, comme si d'exhiber son intimité n'était possible que par l'aveu d'une pudeur plus profonde. La peinture de Serge Strosberg est donc avant tout un art de la bonne distance à laquelle aucune mise au point avec un appareil ne permet d'accéder. Ce qui se passe sur ses toiles est le fruit d'une technique parfaitement maîtrisée, en particulier dans la qualité des couleurs préparées par l'ancien chimiste qu'il est, mais surtout d'un art certain de la composition. Presque toujours, le corps représenté est posé sur un socle, qu'il soit lit, fauteuil, chaise, table, conférant au tableau une puissance sculpturale indéniable. Ce socle délimite l'espace qui accueille et recueille le corps du modèle. à cet espace s'oppose souvent un fond qui parfois prend tout l'espace de la toile. Ce fond joue le rôle d'une sorte de cosmos dans lequel, s'il n'avait pas trouvé «son» lieu, le corps risquerait de s'évanouir. Ce fond incarne aussi ce gouffre inaccessible, ce lointain intérieur qui hante les personnages et dans lequel seuls leurs regards osent se perdre. De couleur franche, brutale parfois, ce lointain, on le comprend, porte les traces des rêves inaccomplis.

Le lit, le fauteuil ou la table, jouent, eux, un autre rôle. Double du corps, ils sont la surface sur laquelle celuici repose, mais aussi la forme qui l'accueille et le protège tout en lui permettant de s'exhiber. En d'autres termes, ce socle est la matrice du corps peint. Il ne dit pas le lointain mais l'intime. Ainsi ces deux éléments essentiels dans les compositions de Serge Strosberg servent-ils à renforcer ce qui pour lui est le plus important, l'expression par le corps même et surtout le visage, de l'intensité dramatique des affects qui envahissent le modèle dans le temps long de la pose et qui ont façonné sa vie. Ces corps sont des synthèses de ces états indicibles et prégnants et c'est en cela que réside leur grande puissance expressive. Hommes de notre temps ainsi que le modèle, nous sommes, comme lui, des composés de poussières d'étoiles, de rêves inachevés et de doute mais aussi d'élans trop souvent contenus.

Corps et histoire

Le parti pris de Serge Strosberg est de confronter les corps avec l'histoire. Pour cela, il les soumet à la puissance de distorsion qu'est la durée, celle de la pose, celle des affects, celle de la pensée. En choisissant la figuration, il se situe dans une famille de peintres aux ramifications vastes et complexes. Désireux de peindre l'identité contemporaine dans sa multiplicité même, il prend pied dans son époque. Choisissant de peindre des individus aux identités multiples mais toujours affirmées, Serge Strosberg ne choisit cependant pas de plonger dans les affres de la chair mais bien de montrer comment un corps tient dans le temps, c'est-à-dire comment il fait face à l'histoire.

Là où un Frank Auerbach traque à coups de pinceaux brusqués, les limites du corps et les met en relation avec celles de la perception, là où une Jenny Saville troue le temps en usant des corps qu'elle peint comme des bombes visuelles venant exploser à la surface de l'oeil, Serge Strosberg répond par une concentration de son travail sur la façon dont un corps exprime la manière dont il est traversé par l'histoire et le champ infini des émotions.

Lucian Freud, lui, cherche à rendre compte du paradoxe de la chair qui sans fin est soulevée par son désir immémorial de basculer dans l'envers, et lutte pour ne pas être happée par le vide. Il rend compte de cette lutte constante dont chaque être est le lieu, entre cette aspiration vers le néant et ce combat que livre sa chair contre les chaos plissés de la matière brute.

Serge Strosberg, lui, a choisi de rendre compte d'un conflit plus vaste entre l'historicité de l'individu et ses aspirations intimes et cosmiques. Ce qu'il montre est donc en ce sens moins la chair, ce magma incontrôlable devant toujours chercher hors de lui le principe de sa rectitude, que le corps, ce paquet de nerfs connectés au temps et qui se tient en lui-même dans l'affirmation de son ambiguïté. C'est pourquoi dans ses toiles, les abîmes intimes de l'individu résonnent du bruit des tambours secrets de l'histoire. Son intérêt pour l'individu le pousse à tenter de capter la puissance émotive maximale du modèle
sans recourir à des artifices picturaux, à des poses improbables ou à des gestes brusques. En se concentrant sur une touche dense et compacte, il offre au regard toute l'immensité de l'autre.

Ici, l'individu est élevé par la peinture à la puissance de l'affirmation et confronté à l'immensité cosmique qui résonne en lui. Chaque corps appartenant à un moment précis de l'histoire, il conjugue les aspects de l'identité avec les courbures et les plissements du temps. C'est en particulier à travers des ensembles de tableaux consacrés au même modèle et qui fonctionnent dans leur présentation comme des sorte d'installations, que Serge Strosberg parvient à nous les rendre sensibles. Et c'est ce que toute grande peinture cherche à atteindre.

>Sarah McFadden Rédactrice pour le magazine Art in America

Au cours des dernières années, Serge Strosberg a développé un ensemble d'ouvres, qui, à mes yeux, suggère les prémices d'une "Comédie humaine" contemporaine. Les peintures récentes - dont plusieurs diptyques, triptyques et polyptyques - se situent entre le portrait et l'allégorie. Plus précisément, elles semblent mettre en scène le modèle comme véhicule de l'allégorie. Ainsi, l'art du portrait nous rappelle que le particulier, le spécifique peuvent se fondre dans le commun, dans l'universel : chacun de nous est unique mais nous partageons tous la "condition humaine".

Hors du temps, ces portraits sont composés avec soin et représentés dans la tradition de la grande peinture qui privilégie la virtuosité formelle et la subtilité chromatique. Les poses des modèles savamment construites selon un contenu narratif évoquent des tensions entre les acteurs, projettent des émotions et des états psychologiques, ou illustrent les fantasmes des modèles, voire de l'artiste. Tout comme à la Renaissance, la flexion d'un orteil suffit à suggérer le volume, de même un drapé jaune moutarde voluptueux évoque le mouvement qui captive l'oil du spectateur.

Dans l'air du temps, ce travail contredit l'idée fallacieuse de la simplicité des êtres. Strosberg dépeint le même individu dans diverses situations à travers des séries de tableaux, dont on imagine aisément qu'ils pourraient être déclinés à l'infini sans jamais parvenir à cerner la véritable personnalité du sujet. L'artiste explore inexorablement les multiples facettes de son modèle, non pas, semble-t-il, pour saisir l'entièreté de son âme, mais plutôt pour explorer une époque, la sienne. Ses modèles posent en étant tout à la fois victimes et bénéficiaires. La plupart appartiennent à la génération du peintre, et dans le temps suspendu de l'atelier ils respirent l'air de son temps : dans le modelé et le style de l'encolure, les jeans, les sous-vêtements, les piercing, coiffures et lunettes solaires, ou la télécommande que tient avec désinvolture une amante qui s'ennuie.

Des amants qui se lassent il y en a toujours eu, bien sûr. Ce qui est nouveau, sans doute, c'est la manière dont ils manifestent leur malaise. Strosberg représente les signes du changement transformant des idiomes instantanés en émotions intemporelles, en dépit du flux inexorable du temps. Longue vie à sa Comédie du XXI e siècle !

> Florent Bex Directeur Honoraire du MUIHKA Musée d'Art Contemporain à Anvers, Belgique.

"Les ouvres d'art qui nous intriguent réellement sont celles qui soulèvent plus de questions qu'elles ne donnent de réponses. Le travail de Serge Strosberg fait partie de cette catégorie. On se demande de prime abord quelle raison le pousse à peindre des portraits. Ce genre, plutôt négligé dans l'art contemporain, semblait révolu depuis que la photographie s'en était emparé. Pourtant, l'artiste a consciemment choisi sa thématique il y a plusieurs années, et il faut préciser que, le plus souvent, il ne s'agit point de portraits de commandes. La série de portraits présentés dans cet ouvrage a été réalisée au cours de longues séances de pose, à partir de 2002. Ils mettent en scène plusieurs femmes d'aujourd'hui. L'ouvre prend naissance dès que l'artiste fait le choix particulier de ses modèles. De quelle manière influence-t-il par la suite l'attitude du personnage, sa tenue décente ou sa nudité ? Pour que la collaboration fonctionne il y a forcément accord tacite entre le modèle et le peintre. Quelle étrange situation, qui permet qu'un individu sans éprouver de méfiance s'expose au regard scrutateur d'un autre, sans pour autant se mettre à nu complètement. Quelle complicité singulière s'installe donc ?

Toutes ces femmes fixent le spectateur droit dans les yeux, tantôt mélancoliquement, tantôt pertinemment, comme pour dire : "regarde-moi, mais ne comptes pas lire mes pensées". Dans les portraits d'hommes par contre, le regard se dérobe. Les personnages masculins s'intériorisent, ils semblent pensifs et préoccupés.

Il me paraît que Serge Strosberg tente, à travers ces portraits, de capter un témoignage muet de la condition humaine. La complexité et l'incertitude règnent derrière le quotidien. L'individu à la recherche de son identité, tente de se faire une idée de soi à travers le regard des autres. Son comportement, parfois involontaire, est en partie déterminé par les bouleversements qui s'opèrent dans notre société. Ne joue-t-il pas plus ou moins consciemment un rôle, à travers ses interactions sociales, visant à représenter l'idée qu'il se fait de lui-même. Nous nous protégeons par un masque, nous assumons un personnage, qui risque de devenir une deuxième nature.

Intentionnellement, le modèle donne à voir une certaine expression de lui-même, mais en fin de compte, c'est le peintre qui interprète. N'ayant jamais vu les modèles, je ne saurais dire s'il les rend avec fidélité, mais il me semble qu'il saisit dans les traits de chaque visage une nuance essentielle de sa personnalité, de son âme. On ne peut regarder ces toiles sans être intrigué par les yeux qui vous suivent et vous défient, par ces attitudes provocantes.

Dans l'accrochage des ouvres, par ensembles de toiles, Strosberg introduit des juxtapositions qui relativisent le sens de la mise en scène, opposant le charnel à l'ingénu, la rêverie à l'érotique. Le doute plane sur ses intentions. De prime abord, il semble s'inscrire dans la tradition séculaire occidentale de la représentation du corps féminin, et en particulier du nu. Mais son intention n'est-elle pas de remettre en question cette image métaphorique de la femme, en lui attribuant une signification plutôt équivoque ? Ou s'agit-il simplement du regard du mâle pour qui le "mystère de la femme" reste insaisissable ? Que nous apportent ces portraits peints de plus que des photographies? Se prêtent-ils davantage à l'observation ?

à travers la représentation de Strosberg ils nous parlent véritablement de peinture : à distance, on perçoit l'illusion du réel mais lorsqu'on s'approche le pictural s'impose, la représentation s'efface : la matière devient prédominante. Les touches de couleurs pleines de vivacité nous offrent une lecture minutieuse du cheminement créatif. Serge Strosberg nous guide dans le monde étonnant et inépuisable du visuel, sans oublier d'attirer notre attention sur le fait que les images ne sont point les choses et que notre perception n'est point infaillible."

> Marcel Dargols (Colombes)

"Ces portraits me font penser à des acteurs sortis tous droits d'une pièce de Tchekov"

> Elsa Rosilio, écrivain (Paris)

"Force, puissance et talent s'imposent avec évidence"

> Jocelyne (Paris XVII)

"Bravo pour ces portraits qui sauront dans les temps futurs, faire connaître notre époque"

> Barbara Polla, galeriste, Genève

“Cet artiste illustre bien, de par sa polyvalence et de par son ambition, une forme de recherche de ce début de siècle. La polyvalence : il est en effet à la fois chimiste, illustrateur, artiste, et il est aussi, en quelque sorte, à la fois flamand, français, américain et citoyen du Monde. Et l'ambition : davantage celle de la liberté personnelle et de la compréhension de l'autre dans tout ce qu'il a de différent, que de la réussite personnelle, si ce n'est intérieure.

Mais Strosberg ne fait pas que chercher, il trouve, il se trouve : il est peintre. Un peintre avec toute l'ambivalence de celui qui peint pour lui-même d'abord, pour affirmer son existence propre dans une société qui ne laisse que peu de place à l'individu, un peintre qui choisit comme sujet presque unique, l'Autre. Il exprime avec précision et imagination à la fois, ce que l'Autre a de fort, de fier, de douloureux, de réel. Son passé de scientifique contribue sans doute à la qualité de l'analyse et à la précision du dessin. Mais avant tout, on sent l'artiste professionnel qui met ses capacités techniques et tout son talent au profit de l'expression. Car l'expression - voire l'expressionnisme - est au centre de son travail. Loin de toute photographie, les visages deviennent vivants, le regard de Strosberg fait apparaître leur âme."

> Sarah Mc Fadden, éditrice du magazine "Art in America"

"Since the mapping of the human genome, Serge Strosberg's painted portraits appear more pertinent than ever. The closer we come to cracking our biological code, the more we realize how far we are from penetrating the mystery of what makes each of us uniquely human. This enigma is Strosberg's subject.

Rather than attempting to solve the puzzle, he underlines its richness and complexity by examining individual pieces -- people in his immediate orbit. Usually portrayed alone and in spare interior settings, Strosberg's models seem like a random sampling of humanity. Each strikes a pose that defines her or him within the quiet space and frozen time of the painting. Thus each painting evokes a momentary truth. Philosophically speaking, that is perhaps all we can ever know.

Pride and melancholy, lassitude and concentration, tension, forthrightness, reserve and vulnerability are plainly seen in facial expressions and body language. Trust is evident, as well, particularly in the portraits of male sitters shown stripped to the waist. Shirtless, they seem to have bared not just their imperfect torsos, but also their souls. Drama is limited to passages of brilliant color and the intensity of the subjects' gaze. These psychological portraits remind us that there is really no such thing as ordinary folk, despite all we have in common. "